El Museo de Bellas Artes de Bilbao presenta la exposición Womanology que muestra la excepcional colección del residente bilbaíno José Ramón Prieto. Se trata de una colección privada de arte contemporáneo que se ha reunido en las últimas dos décadas y cuya singularidad radica en el hecho de que está compuesta únicamente por obras de mujeres artistas.
Sin embargo, esto no fue planificado de antemano; en cambio, la colección tomó forma gradualmente a medida que José Ramón Prieto descubrió artistas y obras relacionadas con sus experiencias y su gusto personal, y como su juicio fue refinado a lo largo de los años en sus visitas a los museos, galerías, ferias y bienales, principalmente en compañía de Ana San José.
Él mismo lo reconoce en el prólogo del catálogo publicado por el museo para la ocasión: Aunque no era un experto cuando entré por primera vez en el mundo del arte, me preguntaba por qué, consciente de la existencia de tantas mujeres excepcionales en todas las esferas de la cultura, ciencia y política, esto no se reflejó más notablemente en las bellas artes o la música. ¿Cómo fue posible que la presencia de mujeres artistas en el siglo XX todavía estuviera tan silenciada, dado que tenían plenas capacidades, formación, inspiración y talento?
La intención y audacia de registrar esta realidad se reflejan en el catálogo de la exposición, entre cuyos colaboradores se encuentra la historiadora Manuela Mena, quien trabajó como Curadora Senior de Pintura del Siglo XVIII y Goya en el Museo Nacional del Prado, y la filóloga, historiadora y crítica de arte Ángela Molina. El ensayo de Mena traza una genealogía de las mujeres artistas en la historia del arte, mientras que el de Molina ofrece un examen crítico de la colección llena de sugerencias y referentes.
La oportunidad de exponer este importante conjunto de obras se debe ahora a su incuestionable interés y a la generosidad de José Ramón Prieto, quien hace unos meses también donó al museo la obra Weave II de 2001 de Dora Salazar, que ahora se expone en la galería 32. Sin embargo, también se debe a la creciente atención que esta institución ha estado prestando a las mujeres artistas en los últimos años. Exposiciones pioneras como Women Impressionists (2001) y Kiss Kiss Bang Bang (2007) son las precursoras de iniciativas más recientes, como el programa Emak, que busca impulsar la representación de las mujeres artistas en la colección.
Con este propósito añadido, los visitantes del museo pueden descubrir la Colección José Ramón Prieto a través de esta exposición, comisariada por la historiadora del arte y gestora cultural Lourdes Fernández. El artista Xabier Salaberria ha colaborado en el montaje, que está abierto y da a cada pieza su propia voz.
CATALOGO DE LA EXPOSICIÓN
Autor/es: Manuela Mena y Ángela Molina
ISBN: 978-84-18171-09-3
Fecha de publicación: 29/04/2021
Idioma/s: Castellano, con apéndice en euskera e inglés
Medidas: 23 x 31 cm
Encuadernación: Tapa dura
N° de páginas: 192
N° de ilustraciones: 46 (color)
Womanology toma su título de la pintura del mismo nombre por Linette Yiadom-Boakye, que retrata generalmente forasteros, gente verdadera en los márgenes en el verdadero, algo que ha sucedido con las mujeres incontables veces sobre historia. Como reconoce Ángela Molina en el texto, lo que predomina en la colección son las ‘obras de mujeres artistas que no ocultan su malestar con la herencia cultural que las desmiente y limita’.
Las 47 obras fueron creadas por 37 artistas, algunos de ellos de renombre internacional, nacidos entre 1911 (Louise Bourgeois) y 1977 (Lynette Yiadom-Boakye). La muestra muestra prácticamente toda la colección (43 obras de 35 artistas) e incluye nombres destacados en la escena del arte contemporáneo internacional y local, como Marina Abramović, Ana Laura Aláez, Louise Bourgeois, Carmen Calvo, Ángela de la Cruz, Tracey Emin, Jenny Holzer, Donna Huanca, Cristina Iglesias, Barbara Kruger, Elizabeth Peyton, Dora Salazar, Monika Sosnowska, Tatiana Trouvé, Azucena Vieites y Kara Walker.
La instalación de sonido de Susan Philipsz y el dibujo a lápiz de Jenny Saville son adiciones recientes a la colección que ahora se están dando a conocer.
La womanología no gira en torno a un único estilo artístico, sino que se basa en múltiples lenguajes contemporáneos como el Pop Art, el conceptualismo, el minimalismo, el informalismo, la abstracción geométrica, el Arte Povera, el constructivismo, el neobarroco, el expresionismo y el fotorrealismo. Hay muchas pinturas de gran tamaño, además de una muestra de todo tipo de disciplinas artísticas, como la pintura, la escultura, el dibujo, el grabado, la fotografía -a menudo derivada de actuaciones- ensamblajes, instalaciones de vídeo y obras sonoras, que están relacionados entre sí y comparten la sensibilidad profunda y exquisita del coleccionista.
La mayoría de estas obras datan del siglo XXI, por lo que incluso Louise Bourgeois, que es de una generación anterior, está representada con un gouache, Mujer embarazada, que hizo en 2007, solo tres años antes de su muerte. La obra más antigua es la fotografía Pietà, tomada durante una actuación de Marina Abramović y Ulay en 1983. El más contemporáneo es el dibujo a lápiz Estudio para Pietà I de Jenny Saville, realizado y adquirido este año, en 2021. Por lo tanto, el tiempo de la exposición comienza y termina con la reinterpretación contemporánea de una de las imágenes únicas de la mujer en la iconografía católica, encarnada en la Virgen María, como en la pieza Untitled #959 de Petah Coyne también.
Saville pertenecía al grupo de jóvenes artistas británicos que obtuvo fama internacional a finales de 1980. Tracey Emin también fue parte del grupo, con sus trabajos sobre la condición sexual femenina que provocó un montón de escándalo. Aquí está representada con una irónica manta bordada. El uso del textil como metáfora es otra práctica característica de las mujeres artistas, como también se ve en la obra de Elena del Rivero.
Las obras reunidas son una reflexión sobre temas tan importantes como la construcción del género, la existencia de una visión femenina del mundo, la sexualidad, el psicoanálisis, el feminismo, la fugacidad del tiempo, el significado del arte, el fracaso de la idea de la vida moderna, la religión y la muerte. Constituyen un conjunto multicultural y pluridisciplinar que, al igual que la fotógrafa Anna Malagrida, anima a los espectadores a sumergirse en nuestro mundo contemporáneo.
Otros fotógrafos como Hannah Collins y Vera Lutter se centran en obras estéticas reflectantes -tanto en blanco y negro como en grandes tamaños- que tienen que ver con el tiempo congelado y la memoria.
Naturalmente, la reflexión sobre la iconografía femenina y el cuerpo femenino ocupa varios artistas de la colección, que adoptan una amplia gama de enfoques. Alicja Kwade presenta una figura de porcelana que contiene fragmentos del mito clásico de Afrodita; el mito también resuena en la obra de Ana Laura Aláez, en este caso Narciso, tensada a través de la lente de la cultura pop. Eve Sussman también se basa en la mitología para reinterpretar la leyenda romana de la violación de las mujeres sabinas en la película, y Camille Henrot también se inspira en la tradición latina y la conecta con las tecnologías de comunicación contemporáneas.
La reflexión histórica es otro punto de partida para otros artistas. Adriana Varejão condena la historia colonial de Brasil reinterpretando un rasgo característico de la tradición portuguesa: el azulejo, que funciona como metáfora cultural. Kara Walker nos enfrenta con historias violentas de desigualdad racial en los Estados Unidos de América.
El poder de la imagen y el lenguaje interesa a artistas como Barbara Kruger, Jenny Holzer y Laure Prouvost desde perspectivas muy diferentes, incluyendo el psicoanálisis, las ideas feministas y la inteligencia artificial.
Otros enfoques se centran en el acto de pintar en sí. Los ejemplos incluyen a Caro Niederer y su bodegón provocador, que evoca su pasión por África. Donna Huanca trabaja con poderosos pigmentos y cualidades táctiles en pinturas relacionadas con sus actuaciones, en las que trabaja basada en un renacimiento cultural de sus raíces bolivianas. En una obra figurativa, Elisabeth Peyton rinde un sutil homenaje al escultor francés Camille Claudel, uno de los «forgottens» en la historia del arte. A su vez, Marlene Dumas indaga en una amplia gama de temas, como el erotismo, la vulnerabilidad y la visión masculina del cuerpo femenino, en delicadas tintas y dibujos basados en un heterogéneo archivo personal de imágenes.
En la Colección José Ramón Prieto también se indaga sobre el espacio y la escultura a través de obras destacadas de Ángela de la Cruz, Monika Sosnowska, Tatiana Trouvé y Cristina Iglesias, entre otras.
Estos artistas realizan obras muy personales que van desde el desmantelamiento de la pintura como es tradicionalmente entendido por Ángela de la Cruz hasta la creación de nuevos territorios trabajando con espacio y texturas, como destacan en la carrera de Cristina Iglesias. Representada con una serigrafía sobre cobre de principios de siglo -una de 1999 y otra de 2001- esta artista donostiarra defiende la hibridación de las técnicas artísticas como imprescindible para crear su no-espacios existentes que igualmente intrigan y cautivan al público del siglo XXI.
